作曲と編曲の違いとは？初心者でも理解できる役割・作業内容・ツール活用の最新事情を解説！
作曲と編曲の違いがわかりにくいと感じる方も多いのではないでしょうか？
作曲はメロディを生み出す作業、編曲はそのメロディをアレンジして楽曲を完成させる作業ですが、近年のDTMの進化によって境界が曖昧になりつつあります。一人で両方こなすアーティストも増えており、音楽制作のスタイルも多様化しています。
本記事では、作曲と編曲の違いをわかりやすく解説し、それぞれのメリット・デメリット、必要なスキル、学習のステップを詳しく紹介します。
初心者にもわかりやすく解説するので、ぜひご覧ください！
作曲と編曲の違いとは？基本概念を押さえよう
音楽制作において、「作曲」と「編曲」はどちらも重要な役割を担っています。しかし、具体的に何をする作業なのか、初心者には違いが分かりにくいかもしれません。ここでは、まず作曲と編曲の基本概念について解説します。
作曲とは？メロディを生み出すクリエイティブな作業
作曲とは、楽曲のメロディを生み出し、楽譜やDAWに記録する作業です。その核となるのは「メロディ」「コード進行」「リズム」の3つの要素です。
【作曲で大切な3要素】
- メロディ：楽曲の個性を決定づける要素であり、リスナーの印象に強く残る部分
- コード進行：楽曲の雰囲気を決める役割を持つ
- リズム：楽曲のノリを決める重要な要素
作曲には感覚的な要素が大きく関わりますが、音楽理論を学ぶことで、より自由にアイデアを形にすることができます。
編曲とは？楽曲をアレンジして完成形に仕上げる
編曲とは、作曲されたメロディをもとに、楽器の選定や音の配置を行い、楽曲を完成させる作業です。
まず、使用する楽器を決めたうえで、それぞれの演奏スタイルを調整します。アレンジ次第で、同じメロディでもロック調やジャズ風など、曲の雰囲気が大きく変わります。
さらに、編曲には「ミックス」や「音作り」も含まれます。各楽器の音量バランスを整え、楽曲全体がクリアに聴こえるよう調整することも重要な工程です。
作曲と編曲、どっちが大変？難しさのポイントを比較
作曲と編曲はどちらも音楽制作に欠かせない工程ですが、初心者にとっては「どっちが難しいのか？」と悩むことが多いでしょう。ここでは、それぞれの難しさを具体的に解説します。
作曲が難しいと感じるポイント｜メロディの発想と理論
作曲の最大の難しさは、何もない状態から魅力的なメロディを生み出すことです。メロディのアイデアが浮かばなければ、どれだけ楽器が使えても曲を作ることはできません。そのため、初心者は「どうすればいいメロディが作れるのか？」と悩みがちです。
また、作曲には音楽理論の知識も関わってきます。感覚的にメロディを作ることは可能ですが、コード進行やスケール（音階）の知識がないと、思い通りの雰囲気を出せなかったり、伴奏をつける際に違和感が生じたりします。
既存の曲と似てしまう、曲がまとまらないといった悩みは初心者だけでなく経験者にも共通する。このように、作曲は創造力と理論のバランスが重要なスキルであり、アイデアを生み出すこと自体が難しい作業なのです。
編曲が難しいと感じるポイント｜楽器の組み合わせと音のバランス
編曲の難しさは、どの楽器をどう組み合わせ、どんなバランスで配置するかを考えなければならない点にあります。作曲されたメロディが良くても、編曲が適切でなければ楽曲全体の完成度は低くなってしまいます。
ポップスの編曲を考える場合では、ギター、ベース、ドラム、キーボードなど、どの楽器をどのように配置するかが重要になります。同じメロディでも、楽器の選び方によって雰囲気が大きく変わります。ギターを前面に出せばロック調に、ピアノを主役にすればバラード風に、ストリングスを加えれば壮大な雰囲気になります。このように、編曲は「どんな音に仕上げるか」を決めるセンスと技術が必要です。
編曲は、作曲と違ってゼロからの発想力よりも、楽器の知識や音作りのスキルが求められる作業です。そのため、理論よりも実践経験が重要になり、試行錯誤を重ねながら学ぶことが大切です。
作曲と編曲のやり方｜初心者向けのステップ解説
作曲と編曲は、それぞれ異なるアプローチが必要ですが、基本的な流れを理解することでスムーズに楽曲制作を進めることができます。ここでは、それぞれの基本手順を解説します。
作曲の基本手順
作曲は、メロディ・コード・リズムの3要素を組み合わせて楽曲を作るプロセスです。初心者でも取り組みやすい手順を以下に紹介します。
① 曲のテーマやイメージを決める
まず、「どんな曲を作りたいのか？」を明確にします。
【テーマやイメージの例】
- 明るくポップな曲
- 落ち着いたバラード
- 激しいロック
このように方向性を決めることで、メロディやコード進行のアイデアが浮かびやすくなります。参考曲を聴いて雰囲気を掴むのも有効です。
② メロディを考える
作曲の核となるのがメロディです。初心者の場合、ピアノやギターで音を試しながら作るとやりやすいでしょう。シンプルなフレーズを繰り返したり、歌詞を当てはめてみたりすると、自然にメロディが生まれることもあります。スマホの録音機能を使ってアイデアを残すのもおすすめです。
③ コード進行を決める
メロディができたら、それに合うコードをつけます。基本的なコード進行（例：C-G-Am-F）を使うと、曲の雰囲気がまとまりやすくなります。コードを変えるだけで、同じメロディでも異なる印象を与えることができるので、試しながら決めましょう。
④ リズムと構成を考える
曲のテンポ（BPM）やリズムを決め、イントロ・Aメロ・サビといった構成を考えます。一般的なポップスでは「Aメロ → Bメロ → サビ」の流れが多く、リスナーにとって聞きやすい形になります。
⑤ DAWに録音し、曲を形にする
最後に、作ったメロディやコードをDAW（デジタルオーディオワークステーション）に入力し、仮のアレンジを作ります。シンプルなピアノ伴奏でもよいので、音として確認しながら微調整していきます。
作曲は最初から完璧を目指すのではなく、とにかく形にすることが大切です。シンプルでもいいので、曲を完成させる経験を積みましょう。
編曲の基本手順
編曲は、作曲したメロディをもとに、楽器の選定やアレンジを行い、楽曲を完成させるプロセスです。編曲のポイントは、楽器のバランスを考えながら「どのように聴かせるか」を意識することです。
① 編成（使用する楽器）を決める
まず、曲のジャンルや雰囲気に合わせて、どの楽器を使うかを決めます。
例）
- ポップス：ピアノ、ギター、ベース、ドラム
- ロック：エレキギター、ベース、ドラム
- バラード：ピアノ、ストリングス、アコースティックギター
このように、楽曲のスタイルに合った楽器を選定します。
② リズムとベースを決める
楽曲の土台となるリズムとベースラインを決めます。特にドラムのビートやベースラインは曲のノリを左右する重要な要素です。打ち込みを使う場合は、シンプルなパターンから始め、必要に応じて調整するとよいでしょう。
③ ハーモニーと伴奏を追加する
メロディを際立たせるために、コードを元にした伴奏を加えます。ピアノやギターのバッキング、シンセパッドなどを使い、曲に厚みを持たせます。楽器同士の音が重なりすぎないように、音域のバランスを意識することが重要です。
④ メロディを強調するための工夫をする
メロディが埋もれないように、編曲の段階で調整を行います。例えば、サビ部分でストリングスを追加して盛り上げたり、逆にAメロではシンプルな伴奏にしてメリハリをつけたりすることがポイントです。
⑤ ミックスで音のバランスを調整する
すべての楽器が揃ったら、音量やパン（左右の定位）を調整し、楽曲全体のバランスを整えます。ベースやドラムが強すぎるとボーカルが聴こえにくくなるため、各パートが適切に配置されるように調整しましょう。
これらの手順を踏むことで、楽曲がより魅力的で聴き応えのあるものに仕上がります。
作曲家と編曲家の違い｜役割・求められるスキル・活躍の場
作曲家と編曲家はどちらも音楽制作の重要な担い手ですが、それぞれの役割や求められるスキル、活躍する場面には大きな違いがあります。ここでは、それぞれの仕事内容や求められるスキルを詳しく解説し、自分に合ったキャリアを考えるためのポイントを紹介します。
作曲家の仕事とは？求められるスキルと活動スタイル
作曲家の仕事は、楽曲のメロディやコード進行、曲の全体構成を作ることです。映画・ドラマの劇伴（BGM）、アーティストへの楽曲提供、ゲーム音楽の制作など、さまざまな場面で活躍できます。
【作曲家に求められるスキル】
- メロディの発想力：キャッチーで印象的なメロディを作れることが重要
- コード進行の知識：楽曲の雰囲気を決定するため、基本的な和音の知識は必須
- 音楽理論の理解：キーやスケール、リズム構造を理解していると、より幅広い表現が可能になる
- 楽器の演奏スキル：ピアノやギターが弾けると、作曲の幅が広がる
- DAWのスキル：近年では、作曲と簡単なアレンジをDAW上で行うことが一般的
【作曲家の活動スタイル】
作曲家は、大きく分けて以下のような働き方があります。
- プロの作曲家として活動：レコード会社や音楽事務所と契約し、アーティストに楽曲を提供
- 映像・ゲーム業界での作曲：映画、アニメ、ゲームのBGMを制作するクリエイター
- 個人での楽曲販売・ストリーミング配信：インディーズアーティストとして活動し、SNSや音楽配信サービスで楽曲を発表
- 広告・企業向けBGM制作：CMや企業PV用の音楽制作を行う
作曲家はゼロから楽曲を生み出すクリエイターとして、常に新しいアイデアを求められます。創造力が問われる仕事ですが、自分の音楽を形にできるやりがいの大きな職業です。
編曲家の仕事とは？アレンジのプロが担う役割とは
編曲家の仕事は、作曲家が作ったメロディをもとに、楽器の配置やサウンドデザインを加えて楽曲を完成させることです。ポップス、クラシック、ロック、エレクトロニカなど、編曲のスタイルによって同じメロディでも全く違う雰囲気の楽曲に仕上がります。
【編曲家に求められるスキル】
- 楽器の知識：それぞれの楽器の特徴を理解し、適切に配置できる能力
- ミキシング・サウンドデザインのスキル：楽曲のバランスを整え、聴きやすくする技術
- ジャンルごとのアレンジ力：ポップス、ジャズ、ロックなど、異なるジャンルに対応できる幅広い知識
- DAWと音源の扱い：Logic Pro、Cubase、FL Studioなどのソフトを使いこなし、プロクオリティの楽曲を仕上げる能力
- コミュニケーション能力：作曲家やクライアントの意向を汲み取りながら、最適なアレンジを提案する力
【編曲家の活動スタイル】
編曲家は以下のような形で活躍できます。
- アーティストの楽曲アレンジ：作曲家が作った楽曲を、レコーディングやライブ向けにアレンジ
- 映画・アニメ・ゲーム音楽の編曲：シーンに合わせたアレンジを加え、映像と一体化した音楽を制作
- アイドルやバンドの楽曲プロデュース：コンセプトに合わせた編曲を行い、魅力を最大化する
- YouTube・SNS向けのリミックス制作：既存の楽曲をアレンジし、新しいバージョンを生み出す
編曲家は、楽曲をより魅力的に仕上げる職人です。音楽制作の技術を活かしながら、幅広いジャンルで活躍できます。
作曲家と編曲家、どちらを目指すべき？向いている人の特徴を解説
作曲家と編曲家は、求められるスキルが異なるため、自分の得意分野や興味に応じて選ぶことが大切です。それぞれの適性を見ていきましょう。
【作曲家に向いている人の特徴】
- ゼロから曲を作ることが好きな人
- メロディを考えるのが得意な人
- インスピレーションを大切にするタイプ
- 音楽理論に興味があり、ハーモニーやコード進行を学ぶのが好きな人
- アーティストやクリエイターとして個性を表現したい人
【編曲家に向いている人の特徴)
- 既存のメロディを活かしてアレンジするのが得意な人
- 楽器や音響の知識が豊富で、サウンドを作り込むのが好きな人
- 技術を駆使して、楽曲の完成度を高めることに喜びを感じる人
- DAWや音楽制作ツールの操作が得意な人
- 幅広い音楽ジャンルに対応できる柔軟性がある人
どちらの道を選ぶかは、「メロディを作ることが好きか？」or「音を作り込むことが好きか？」 で考えると決めやすくなります。
また、近年では作曲と編曲を兼ねるアーティストも増えており、両方のスキルを持つことで活動の幅が広がるのも事実です。どちらか一方にこだわるのではなく、少しずつ両方のスキルを学ぶのも良い選択肢です。
作曲と編曲はどこまで？ツールの進化で変わる音楽制作の現場
音楽制作の世界では、かつて作曲と編曲は明確に分業されていました。しかし、DTM（デスクトップミュージック）の発展やAI技術の進化により、その境界は曖昧になりつつあります。特に、最新の音楽制作ツールの登場により、個人でも作曲と編曲を同時に行うことが可能になりました。
ここでは、作曲と編曲の役割がどのように変化してきたのか、最新ツールがもたらす影響について詳しく解説します。
昔と今で変わった作曲と編曲の境界線｜DTMの進化がもたらした変化
かつての音楽制作では、作曲家はピアノやギターでメロディとコードを作り、編曲家がオーケストラやバンド用に楽曲をアレンジするのが一般的でした。しかし、DTM（デスクトップミュージック）の普及により、作曲と編曲の境界が曖昧になっています。
【従来の作曲と編曲の役割分担（アナログ時代）】
- 作曲家：メロディ・コード進行を作成し、楽譜に起こす
- 編曲家：楽器編成や伴奏を決め、スコアを作成
- エンジニア：録音・ミキシングを担当
このように、楽曲の制作には明確な分業があり、作曲家と編曲家はそれぞれの専門分野に特化していました。
【DTMの進化による変化（デジタル時代）】
- 作曲家自身がDTMで伴奏をつけ、編曲も同時に行うケースが増加
- 編曲家が作曲のアイデアを生み出し、曲の方向性を決めることもある
- DAW（デジタルオーディオワークステーション）で作曲・編曲・ミキシングが一元化
特に、GarageBandやFL Studioのような初心者向けのDTMソフトが登場したことで、作曲の段階で簡単な編曲を加えながら制作するスタイルが一般的になりました。この変化により、作曲家と編曲家の垣根が低くなり、一人で音楽制作を完結できる環境が整いつつあります。
AIや最新DAWの影響は？作曲と編曲の仕事に与える影響とは
近年、AI技術が音楽制作に革新をもたらし、作曲と編曲の概念をさらに変えつつあります。AIを活用した作曲支援ツールや最新のDAW（デジタルオーディオワークステーション）は、音楽制作のハードルを大きく下げると同時に、新たなスキルが求められる時代を生み出しました。
【AI作曲ツールがもたらす変化】
AIを活用した作曲ツールは、ユーザーが簡単な指示を与えるだけで、メロディやコード進行を自動生成できます。
- 「Amper Music」や「AIVA」：AIがメロディや和音を作成し、瞬時に編曲も行う
- 「Boomy」：初心者でも数クリックで楽曲制作が可能
AI作曲ツールの登場により、作曲の知識がなくても、誰でも音楽を作れる時代が到来しました。しかし、AIが生成した曲はまだ「個性」が乏しく、最終的には人間の手による調整が必要な場合が多いです。
【最新DAWがもたらす編曲の進化】
最新のDAWでは、作曲と編曲を同時に行うことが可能になっています。
- 「Logic Pro」：コード補完機能やリズム調整機能が充実し、作曲と編曲がスムーズに行える
- 「Ableton Live」：リアルタイムでアレンジを変更できる機能があり、編曲作業が効率化
- 「Cubase」：プロ仕様のオーケストレーション機能が充実し、編曲家向けのツールが多数搭載
これらの進化により、作曲と編曲が完全に分業されるケースは減少し、一人で両方をこなすスタイルが主流になりつつあります。
作曲家と編曲家のメリット・デメリット｜どちらを目指すべきか？
作曲家と編曲家は、どちらも音楽制作に欠かせない存在ですが、それぞれ異なるスキルと役割を担っています。ここでは、作曲家と編曲家の魅力と課題を比較しながら、どちらが向いているのかを解説します。
作曲家のメリット・デメリット｜創作の自由と難しさ
作曲家は、メロディやコード進行を生み出す役割を担い、音楽の根幹を作る仕事です。そのため、創造性を発揮しやすい反面、ゼロからアイデアを生み出すことの難しさもあります。
【作曲家のメリット】
- 創作の自由が大きい：作曲家は自分の感性を活かし、完全オリジナルの楽曲を生み出せる
- ヒット曲を作れば大きな収益が得られる：J-POPや映画音楽、ゲーム音楽など、作曲家が関わるジャンルは幅広く、ヒットすれば印税収入も期待できる
- 音楽理論の知識が活かせる：和声やコード進行を研究し、理論に基づいた作曲が可能になる
- 自分の音楽スタイルを確立できる：アーティスト志向の作曲家は、自分の世界観を前面に出した楽曲制作ができる
【作曲家のデメリット】
- ゼロからアイデアを生み出すプレッシャーが大きい：常に新しいメロディやハーモニーを考え続ける必要がある
- 作曲だけでは収益化が難しいことも：作曲の仕事を得るには、レーベルや音楽プロダクションとつながる必要がある
- 競争が激しい：作曲家は多くのライバルがいるため、独自性や市場のニーズに合った楽曲を作るスキルが求められる
- 作曲しても編曲なしでは完成しない：作曲だけでは楽曲として成立しないため、編曲家やエンジニアとの協力が不可欠
作曲家は、創作の自由を楽しみながらも、常に新しいアイデアを求められる職業です。自分の感性を活かした音楽を作りたい人には最適ですが、持続的に楽曲を生み出せるスキルが必要になります。
編曲家のメリット・デメリット｜技術力の活かし方と課題
編曲家は、作曲されたメロディをもとに、楽器のアレンジや音のバランスを調整し、楽曲を完成させる仕事です。テクニカルな知識が求められる反面、作曲ほどゼロからの発想力は必要とされません。
【編曲家のメリット】
- 技術力が活かせる：楽器の知識やDTMスキルを活かして、幅広いジャンルの音楽を制作できる
- 作曲ほどアイデアを生み出すプレッシャーが少ない：作曲家が考えたメロディを活かしながら、楽曲を仕上げる作業がメイン
- 実践的なスキルが収益につながりやすい：映像音楽、ゲームBGM、アレンジ業務など、需要が多いため仕事が得やすい
- DTMを駆使すれば一人でプロクオリティの楽曲制作が可能：ミックスやマスタリングまで行えば、編曲家としての強みが増す
【編曲家のデメリット】
- 音楽的な個性を出しにくい：作曲家の意向に沿ったアレンジが求められるため、自由度が低くなることがある
- 細かい調整作業が多い：編曲は楽器ごとのバランスを考えながら調整するため、時間がかかる
- 市場のトレンドに敏感である必要がある：特にポップスや商業音楽では、流行のサウンドに合わせたアレンジが求められる
- 依頼される仕事のスタイルに左右される：クライアントの要望に応じたアレンジを求められるため、自分の好きなジャンルだけに集中するのが難しい
編曲家は、技術力を活かして音楽制作を支える職業です。作曲ほどの創造的な負担はないものの、緻密な音作りや調整のスキルが求められます。
作曲と編曲のどちらが向いている？適性チェックリスト
作曲家と編曲家、それぞれに向いているタイプを簡単にチェックできるリストを用意しました。自分に合う方を見つけてみましょう！
【作曲家に向いている人】
- 自分のオリジナルなメロディを作るのが好き
- 音楽理論を学ぶことに興味がある
- インスピレーションを活かして曲を作るのが得意
- ゼロからの創作を楽しめる
- 楽曲の雰囲気やストーリーを考えるのが好き
【編曲家に向いている人】
- 楽器の組み合わせやアレンジを考えるのが好き
- DTMやミックスのスキルを磨きたい
- 細かい音の調整やバランスをとるのが得意
- 既存のメロディを活かして、曲をブラッシュアップするのが好き
- 商業音楽のトレンドに敏感で、流行に合わせたサウンド作りができる
もし、どちらにも興味がある場合は「作曲→編曲」の流れを少しずつ学んでいくのがオススメです。
作曲と編曲の違いについてよくある質問
ここでは、作曲と編曲に関するよくある質問に答えていきます。
作曲と編曲を一人でやることは可能ですか？
作曲と編曲の両方を一人で行うことは可能です。近年の音楽制作環境の進化により、DTM（デスクトップミュージック）を活用すれば、一人で作曲から編曲、ミキシングまで完結できる時代になりました。
特に初心者の場合は、最初からすべてを一人でやろうとするとハードルが高いため、まずは作曲の基礎を学び、その後、編曲スキルを徐々に身につけるのがおすすめです。
作曲から編曲までやるアーティストはいますか？
多くのアーティストが作曲と編曲を両方手がけています。特にシンガーソングライターやDTM系のアーティストは、作曲から編曲、録音、ミキシングまでを一人でこなすことが増えています。
【作曲から編曲までを手がける代表的なアーティスト】
- 米津玄師
- 椎名林檎
- DAOKO
- 中田ヤスタカ
- 久石譲 など
作曲と編曲を両方手がけるアーティストは、自分の音楽の世界観をより忠実に表現できるという強みがあります。そのため、「完全にオリジナルの音楽を作りたい」と考えている人は、両方のスキルを習得する価値があります。
初心者が作曲と編曲を学ぶならどこから始めるべき？
初心者は、まず作曲から学ぶのがベストです。作曲ができなければ、そもそも編曲する素材（メロディやコード進行）がないため、作曲を先に習得し、その後に編曲を学ぶのが効率的な学習ステップになります。
【作曲の学び方（初心者向けステップ）】
- 基本的な音楽理論を学ぶ（スケール、コード進行、リズムの基礎）
- 好きな曲を耳コピして、コード進行を分析する
- 簡単なメロディを作り、コードをつける練習をする
- DAWソフトを使って、ピアノやギターでメロディを打ち込んでみる
- シンプルな1コーラスの楽曲を作る（完成させることが大事）
【編曲の学び方（初心者向けステップ）】
- 楽器ごとの役割を知る（ドラム・ベース・ギター・シンセなど）
- 既存の楽曲のアレンジを分析する（どんな楽器がどう配置されているか）
- DAWの基本操作を覚え、シンプルな編曲を試す
- ドラムのリズムパターンやベースラインを作る練習をする
- 少しずつ音のバランスを意識しながら、アレンジを工夫する
初心者は、まずシンプルな楽曲を作ることから始め、徐々に編曲のスキルを身につけるのがベストです。一気にすべてを学ぼうとすると挫折しやすいため、「作曲→編曲→ミキシング」という順番で学習することをおすすめします。
【まとめ】作曲と編曲の違いを理解して、効率的に楽曲制作を進めよう
作曲と編曲は、それぞれ異なる役割を持ちながら、どちらも楽曲制作に欠かせないプロセスです。作曲はメロディを生み出す作業であり、編曲はそのメロディをアレンジして楽曲として完成させる作業です。
近年ではDTMやAIの進化により、作曲と編曲の境界が曖昧になり、一人で両方をこなすアーティストも増えています。それぞれにメリット・デメリットがあるため、自分の得意な分野や目指したい音楽スタイルに応じて選ぶことが重要です。
初心者はまず作曲から始め、徐々に編曲のスキルを磨いていくのがおすすめです。コード進行やメロディ作りの基礎を学び、簡単なアレンジを加えていくことで、楽曲制作の流れを自然に身につけることができます。
まずは一曲完成させることを目標に、作曲と編曲に挑戦してみましょう！
